Playing the Game of Six Strings →

在YouTube上，不算英文日文華文韓文之外，除了越南，我最常翻出來聽的就是哈薩克的歌曲了。
哈薩克這個地方對很多人來說大概就是某個課本上會提過的名字，好一點的可能知道在中亞，然後就沒有了。我差不多也是從這個程度開始，雖然兩年下來多少估狗一下，或者是看到新聞關注一下，但是對他們的認識還是很淺薄，基本上就只有維基百科的水準。

這篇感想，其實頗為掙扎，原本只是想抒發一些不吐不快的情緒，卻又在寫完後擔心說人長短而猶豫不決，想來自己也不是什麼天縱英才，評論別人多少有點心虛之處。
飛兒的這張新專輯讓我想到某位加拿大回來的女歌手，當年她也是一砲而紅，然後隨著專輯一張一張的出，聲勢一步一步的跌，而至近乎銷聲匿跡。
從第一張專輯蓄勢待發已久而來的展翅高飛，到第二張專輯砸了大錢卻氣勢不前，這第三張專輯正是考驗FIR是否能夠真正飛上枝頭變鳳凰的關鍵，結果讓人非常失望。搶先主打的標題曲『飛行部落』絲毫感覺不到在影片中所想傳遞的「大器」，更讓FAYE的聲音聽起來像是某種偶像美少女童音嗲嗲的飄在空虛的編曲上，不如打「I Don't Care」更能感受到飛兒的味道。開場intro想要讓人有「專輯」概念的感覺，使用LoFi風格的聲音處理十分誘人，結果虎頭蛇尾，竟然不是接到弦樂旋律所暗示的「飛行部落」，而是「Get High」－這第二主打就像是十幾二十年前的偶像團體路線，不禁讓我想起櫻桃幫的「I Wanna Rock」那種回到過去半調子搖滾的無力，兩者雖然不屬同一風格，但那種Orz的感覺卻頗為類似。此外，將好好的歌和經典名曲接在一起更是一大失敗，「天天夜夜」的嘗試並不新鮮，只是大多數都是利用古典樂(古代歌曲免付版權使用費)，但都是利用經典旋律來觸發別人的感情，試圖讓人家接受這首歌曲，但是這樣反而更突顯出新作品的缺點。「天天夜夜」單聽絕對有機會成為一首傳唱的情歌，結果拿去接歌，反而讓人對這歌的印象成為一首模仿之作。很可惜，這個歌完全可以獨立出來的。從過去的歌曲可以發現，飛兒的歌曲經常使用大小調互換的把戲來製造旋律的轉折感，這次玩的更加的明顯了，或許這可以當作一種特色，但是聽多了實在有點膩，真正的好歌有需要一直搞調性上的遊戲嗎？而且此次的製作物聽起來，比起過去要退步許多，「北極星瞇瞇眼」在進副歌的地方竟然人聲突然爆出來，一付好像在Mixdown時不小心撞到Fader一樣，整個Balance突然成為富士山型，這是開玩笑的嗎？這種人聲與樂器失衡的情況在好幾首歌裡都有，加上部分歌曲裡的破音吉他突兀的想要位歌曲添加「搖滾」味的失敗嘗試，以及到處亂串門子的Crash，考慮到飛兒的組合裡有陳建寧老師，這很難讓人接受。整張專輯最讓我感到失望的是，聽不出來這是飛兒(好啦，我承認聽那個調性遊戲絕對聽得出來是飛兒)。好幾首歌聽起來像是情歌對唱大全，原本三個人之間的平衡感完全消失，從頭到尾不停聽到男女對唱，簡直像在為阿沁和FAYE的單飛鋪路嗎？好幾首歌像是那種偶像歌曲，沒拿封面出來看還以為是蔡依林或是楊呈琳或是somebody...，至於「樂團」的感覺，在這張專輯中少得可憐。要知道，飛兒是一組非常不一樣的藝人，陣中三個人要演唱有演唱實力，要創作有創作能力，要講製作編曲企劃統籌更有大師在其中，這樣的組合拿出這種作品來，很讓人失望，這如果是某個偶像新人的專輯，那可以說它是一張很好的啼聲之作，但飛兒，我實在沒有辦法想像這會是陳建寧老師主導的作品。專輯唯一值得推薦，製作保持水準的歌曲是「I Don't Care」，可惜放的頗為後面，儼然是一首side track，這歌雖然比較像是之前飛兒的作品，但也是唯一還能感受到飛兒作為一個音樂上的創作、製作的樂團組合的作品。

最近有個新人發片了，是以前同事旗下的藝人。新人發片本不是件特別的事情，特別的是這位新人在大陸發片。
沒錯，這是一位來自台灣的新人，道道地地的台灣人，她的首張專輯已經在2006年5月24號在大陸正式發行，至於台灣，因為還沒有發片，所以還沒有什麼人知道她是誰。
在上個世紀，台灣可說是華語音樂的領導中心，只要是想要當歌手發唱片的人，不管你在美國、新加坡、馬來西亞、菲律賓，都得到台灣來發片，沒在台灣發片，你就不算個牌，透過台灣的地位，你可以把你的聲音傳遞給全世界的華人們。這些來自世界各地的華人，不但利用了台灣音樂工業的地位，也豐富了台灣音樂工業的內容，看看今年的金曲獎國語部分的得獎名單，最佳男歌手是美國人，最佳女歌手是新加坡人，最佳演唱新人是馬來西亞人，最佳國語演唱專輯是美國人的專輯。而如今，大陸已經逐漸以其驚人的市場要來取代台灣的地位，是的，大陸的盜版嚴重，賣唱片這檔事顯然不能賺大錢，但是附加的周邊效益驚人，新人有如樂透賭徒般的前仆後繼，以至於在大陸現在竟然還有人借錢也要出唱片這種事情。
以前台灣歌手去大陸是因為過氣了，有知名度卻沒有舞台，於是他們帶著在華人世界中的知名度與演唱實力前進大陸，甚至常駐在北京；之後隨著大陸越來越開放，則是當紅歌手努力打進大陸市場要分一杯羹，還記得當陳水扁在2004年連任要舉辦就職典禮時，多組當紅藝人以工作而婉拒出席，那個時間點她們都在哪裡？當然是在大陸。
而如今台灣新人如同過去的海外華人一般前進大陸，標示的不僅僅是人才的流失(台灣在上個世紀中培養出來的流行音樂人才據說有七成的人現在都在北京)，而是台灣與大陸在華人音樂地位上的消長，隨著鎖國政策所伴隨而來的邊緣化，也逐漸從製造業蔓延到娛樂工業，真是令人不勝唏噓。

前幾天要上床睡覺時，想到去誠品買的特賣CD還沒有拆來聽，於是挑了一張三盲鼠發行的「早坂紗知&Stir Up！」_(註1)的「Straight To The Core」來聽。錄音很不錯，不愧是三盲鼠，只是我不是很喜歡她吹的薩克斯風，總覺得在情緒上差了一點點，有點平淡，好像要表達些什麼，卻又含著顆滷蛋說不清楚。然後，因為實在是太累了，身體進入了睡前狀態，腦袋卻好像有很多光圈在閃，第一首，第二首，就這樣，雖然覺得這音樂聽起來怪怪的，但實在懶得起來換片，於是就在這令人不安的音樂中睡去。大約四十分鐘之後，我突然醒來，一種很不舒服的感覺，就像是突然被驚醒一般，隱約還有印象睡著的時候似乎夢到了很奇怪的東西，一種很不愉悅的經驗，但是卻想不出來是什麼，身體很累，腦袋昏昏沉沉，卻很清楚的知道我一定要起來把這張CD換掉。
我沒有發現到這張專輯裡有好幾首Ornette Coleman的作品，然後這位Sachi大姐的作品雖然沒有那麼誇張，但其聲響的解放度對一個非常需要好好休息一下的人來說，實在是太刺激了。就好像一直不停有人在你耳邊用鋼筋敲打、摩擦著一個已經變形了的鐵製垃圾桶。
有一次我買了一張Pat Metheny的專輯，裡面是他和另外一位吉他手以及兩位打擊樂手作的演出錄音，共三片CD，每張都是滿滿的七十分鐘。會買這張專輯純粹是貪便宜，嘿！Pat Metheny耶！三片199實在是有一種賺到的感覺。
這種感覺大約只維持了幾個小時，直到我回家播放這張專輯。真是太神奇了，專輯包裝上有曲目喔，但是絕對，不可能分得出來任何兩首歌的差別。簡單的描述，就像是你把吉他接上兩顆以上的破音，然後接上一顆已經破掉的AMP，打開音量到最大，不停的用Pick去撞、刮、撥、敲、刷所有的琴弦，而且是兩個人這樣幹，外加兩位老兄不停的用能夠敲打的東西打出完全不規律的節奏。
每次我想挑戰自己的極限，就會拿這張專輯出來放，看看自己能忍耐多久不去按停止鍵。目前的紀錄是十分鐘。
自從Ornette Coleman在1960年出了一張「Free Jazz」，我們對於爵士樂的想像就更被帶到了一種難以畫出疆域的境界了。雖然前衛音樂在實驗各種聲響上已經有很多難以想像的成就，但是Ornette Coleman是在一種還算是相當主流的音樂中拋下了這顆炸彈，因此「Free Jazz」這個詞彙，從此成為爵士樂名詞解釋中必然要提到的一個辭，而Ornette Coleman也成為和這個辭最代表性的樂手之一。
這個"之一"是因為，當然不是只有他一個人幹了這檔事，Free Jazz至少要到John Coltran出現之後，才算開始退出舞台，因為Coltran更把音樂這件事情，從「解放」中「解放」出來。
對於爵士樂最大的誤解是，即興的音樂，這其實是一種很有問題的說法。我們應該更精確一點的說，爵士樂是一種「追求」自由的音樂，從而才能去理解，為什麼，那些奇怪的聲響，那些聽起來毫無規則的噪音，是有意義的呈現。最早期的爵士樂其實是一點都不即興的，他可能比古時候的巴洛克音樂更不即興演出，如果你去聽很久很久以前的爵士樂錄音，就會發現那些人演奏的東西更像是編排好的內容。爵士樂大約要到1930年代前後才開始越來越重視即興演奏，但是這個即興演奏是建立在對於和聲的延伸上，大量的和聲替代與延伸，加上複雜花俏的技巧，聽起來似乎是自由了，卻是在短歌中作變奏，而忽略了音樂的整體性。於是開始有人朝向更複雜的編曲方式，去建構曲式變化更多完的作品。

老鼠老虎滿街跑了一陣子之後，蔡依林的新專輯「野蠻遊戲」終於正式發行了。雖然今年蔡依林和金曲獎無緣，但是新專輯的買氣似乎不受影響。金曲獎從來不是票房保證，更不用說當它越來越與流行脫鉤之後，這個獎對於流行音樂界的意義就越來越薄弱了，對於唱片公司來說，白花花的銀子遠比不切實際的獎牌有吸引力多了。這張新專輯有兩個數字挺嚇人的，一個是收歌超過100首，一個是從上萬支的麥克風裡挑出100多支讓Jolin試唱，我想新聞稿上特別提到這兩件事情，想要傳達出來的是，是這張專輯在音樂製作過程中的態度。不過只要對唱片製作流程有點概念的人都知道，哪張專輯的選歌中沒有破百？隨便收一收都得聽上兩三百首歌，像Jolin這種等級的歌手，就算收到五百首以上也不算過分_(註1)，畢竟以一位商業價值這麼高的歌手來說，給她相稱的音樂製作水準是理所當然的事情吧，如果說真的只有100多首，那反而不是多，而是有點少了。真正令我好奇的是，那個上萬支麥克風是指到網路商店去挑嗎？我想就算把全台灣夠等級的錄音室裡的麥克風加起來也不會有上萬支吧？而且試唱100多支，這如果是真的那也真的是太令人佩服薛老師的耐心了，不過這最後找出來的麥克風真的是限量版(註2)，而且是在台灣比較罕見的麥克風品牌。
嗯，既然是從這麼多的歌曲中挑選出最後的十首歌曲(扣除開場的演奏曲)，究竟是不是讓人期待的好歌呢？從頭到尾先把這張專輯整個聽過一遍，不禁捏了一把冷汗。
在新專輯正式發行之前，單聽「野蠻遊戲」就讓人覺得「這就對了！」，從音樂的方向和造型，清楚且一貫的路線，雖然在音樂上沒有驚奇之處，但比之上張專輯中相似的曲目來說，「野蠻遊戲」的旋律和賣點顯然更接近「看我七十二變」，這張我個人認為是Jolin最成功的一張專輯，但是相對於「看我七十二變」來說，這張「野蠻遊戲」的歌曲在動聽度和動感度不但沒有達到新聞資料上描寫的等級，比之「城堡」還稍嫌弱了些。

雖然大多數的歌手和音樂人，都非常認真的在作音樂，即便Kuro上抓下來的MP3相對於CD根本毫無品質可言，也無法完整呈現出製作過程中投入的心血，你還是可以見到這些人在錄音室裡面為了那種一轉成MP3就消失的細節在仔細調整。然而，總是有些人的專輯讓人很懷疑，這樣子的專輯，到底是要表達什麼東西？到底是有沒有要求歌手？套句吳佩慈的歌詞，「是不是有人聾了耳朵」？這就是我聽到嚴淑明新專輯「不要說我壞」的感覺，原本只是試聽看看，因為對她很不熟悉，結果卻出乎意料，到底是為什麼她能出唱片呢？歌曲本身平平，旋律沒有特別好聽，感覺有點老氣，有幾首歌在編曲上多次運用轉調製造效果，卻突顯出歌曲本身的缺陷，快歌無法讓人擺動身體，慢歌想按快轉鍵，有如雞肋，食之無謂棄之可惜，至於歌手的表現更是有待加強了，音色不佳，缺乏情緒，大概只有音量大小的變化，屬於一般人去KTV唱歌會說好，但是真正上舞台或是進錄音室就無法感動人的那種水準，雖然有利用和聲遮蓋缺陷，卻依然缺少打動的力量。說真的，走美豔路線來出唱片，至少要有點誠意，比如說蕭薔就讓人感覺是玩真的，讓人知道你在音樂上的誠意，而且，蕭薔的歌聲好聽多了。同樣發行歌手生涯中的第二張專輯，吳佩慈顯然是比嚴淑明幸運多了，最近發行的新專輯「Look At Me」專輯可聽度比「不要說我壞」高出不少，雖然搞出破五萬穿比基尼的噱頭，但至少不用靠皮肉上封面炒新聞。然而演唱的水準顯然還可以更加強。
「Look At Me」的選曲和製作實力上有著相當的水準，但是歌手的表現才是一張專輯成敗的關鍵。和嚴淑明的「不要說我壞」一樣，吳佩慈這張「Look At Me」的A1單曲也未能表現出主打熱力，「請原諒我」是是好聽的慢歌，但演唱的部分有待加強，「分不開」的節奏感和編曲補足的歌手的不足，拯救了這首快歌。編曲真的是非常的重要，特別在快節奏的歌曲上，編曲往往能夠掩飾單調的旋律或者是平淡的演唱，「開玩笑」、「蝴蝶效應」、「Look At Me」、這一路下來，雖然吳佩慈的歌聲不吸引人，但是製作和編曲通力合作，讓這幾首歌依然突出。「爽快」以「賞我」則是比較跳Tone的曲子。而和「不要說我壞」一樣，「Loot At Me」也放了兩首Remix，這兩首Remix的水準相當不錯，比起「不要說我壞」裡面那兩首為了保留演唱部份而顯得俗的Remix要耐聽多了，是專輯裡的意外之作。在「開玩笑」這首歌的歌詞裡，吳佩慈寫著「想說我憑什麼 還可以再唱歌 是不是有人聾了耳朵」，很戲謔的態度，卻讓我聯想出一個問題，究竟什麼樣的藝人才能夠在藝能界長長久久？譁眾取寵、賣弄皮肉風騷，或許能博得短暫的注意，卻也要面臨轉型的困難，老是靠著負面新聞上版面，並沒有辦法讓大家去喜歡你的音樂，唯有真正的內涵才能支撐一個藝人在艱苦的演藝道路上前進。唱歌不好聽都有入圍金曲獎的機會了，只要不倒下去，人生就充滿著無限可能。所以囉，批評歸批評，請眾位歌手好好的努力加油啊，套句日本漫畫常見的台詞，把我們這些不能出唱片的人的份給努力回來啊！

前幾天收到朋友的來信，原來他又要演出了，要我幫他宣傳一下。
不過信裡面的公關稿居然沒有介紹一下演出者，反而扯了一堆關於作曲者的事情...orz
幸好這個世界上有「家(意外發現這個字可以唸作ㄍㄨ)狗」

 
"脫掉外在包袱，呈現真實自我，徐若瑄即將在4月8日發行的【狠狠愛】最新專輯預購禮造型曝光了，重金禮聘美國湯姆克魯斯與日本流行教主濱崎步等國際級巨星御用攝影Leslie掌鏡，徐若瑄背部全裸入鏡，希望以最簡單直接的造型呈現，讓大家將焦點放在她的音樂上，好好聽她的歌。"以上這段話是AVEX在3月16日發的新聞稿，紅字的部分讓人會心一笑。這就像跟大家講買大樂透的時候請把焦點放在「公益」上，一樣荒唐。
這張新專輯，與其說是音樂導向，不如說是環繞著Vivian來打轉，偶像藝人在這方面和所
謂的創作型藝人有很大的差別，由於行銷的不是音樂，而是藝人本身，因此音樂是一種
讓人可以消費偶像的媒介。所以如果我們真的把焦點放在音樂上，完全忘記這是Vivian的新專輯這件事，恐怕不容易勾起太多購買慾望吧。

經過去年首張專輯的成功，F.I.R樂團的新專輯「無限」終於在上個禮拜發行了。這張號稱連去年的收入都"撩"下去，花費數百萬，遠赴英國進行後期錄音製作的專輯，是否是一張能夠讓F.I.R繼續飛下去的新作品，著實讓人期待。專輯中以同名歌曲「無限」作為開場，一直到結尾曲「What's Next？」，算是很清楚的昭示了F.I.R的態度，主要曲風依然是帶點日系的Rock，造型設計也偏向日系風格，雖然不免依然給人模仿日本樂團的聯想，但從另一個角度來說，日本音樂一向被擺在比台灣進步的位置上，如果在這個方向上能夠與"Reference"並駕齊驅，甚至是超越它的話，誰能說這不算是一種成功呢？
美國黑人音樂鬼才Prince曾經說過，如果想要賺大錢，最快的方式就是再作一張一模一樣的專輯。對於以商業成功為導向的音樂來說，我認為不能夠要求藝人不停的創造出不同的作品來，畢竟這是一種冒險，可能會成功，可能會失敗，尤其是這只是F.I.R的第二張專輯，在真正創造出穩定的樂迷群之前，如何鞏固自己的位置不要成為一朵漂亮的曇花，是非常重要的。因此從這個角度來出發，要關注的就是在相同的路線上，F.I.R是否作出比上一張更動聽的專輯。從第一首歌曲「無限」聽下來，大量的音樂素材塞在同一首歌曲中，給人目不暇給的感覺，雖然說是有必要在短短不到四分鐘內塞這麼多東西嗎？或許這也是F.I.R試圖展現自己在音樂上的"無限"吧？副歌旋律的走法和背景和絃應用，以及轉調時的手法，還是帶有點日系歌曲的風格，對於原本的"飛迷"來說，應該不會對這張專輯感到失望。而像是「千年之戀」這種以吉他節奏為底，上層添加大量弦樂的風格，這一年來大量的出現，比如說JS、張韶涵等等，或許還蠻合適搭配遊戲主題曲(你看「千年之戀」這名字多線上啊‧‧‧)不過在J-Rock曲風之外，其他元素也被放進在這張新專輯裡，遊園Party風格的「LOVE*3」鬧樂滾滾，可以感覺到旋轉木馬在起起伏伏；弦樂和鋼琴構成主體的「應許之地」，多加了一段情境音樂，幫助聆聽者情緒轉換，也交代了快樂的遊園地突然變成暴力籠罩的悲傷之地，使用錫笛音色營造漂流感，到副歌段落轉進比較明亮的調性，配合歌詞描述希望不滅的憧憬，若是能在歌詞上更深刻的點出一些主題就更棒了。「把愛放開」可以當作是對於第一張專輯裡的「我們的愛」的一個回應，但是最近"手放開"似乎已經成為一個恐怖的魔咒(曾經我在一天之中聽到李聖傑的「手放開」超過三十次，似乎全世界都在「手放開」)，所以看到歌詞的時候，很想吐‧‧‧

雖然這個歌曲是對「我們的愛」的回應，在歌詞上也描寫出不願繼續沉溺在一段無可延續的感情之中，然而相對於歌詞，歌曲的旋律以及編曲卻顯得過於明亮了，彷彿像是擺脫掉感情泥沼的愉悅，而不是割捨的痛苦，這樣的矛盾減落了這首歌曲的動人之處。